Los cinco actos que demuestran la potencia filosófica del movimiento de Diseño Radical y su profundo cuestionamiento hacia la disciplina misma

El radio de influencia del movimiento italiano de Diseño Radical fue enorme. Estéticamente el movimiento pretendió ser lo opuesto al diseño moderno, a los principios de la Bauhaus. Principalmente rebatían que la forma siguiera a la función y rechazaban los principios del “buen gusto”, que había pasado a estar totalmente identificado con el diseño modernista. En rebeldía se crearon objetos kitsch, con reminiscencias pop y colores fuertes.

Pero creo que esta rebeldía hacia la apariencia de los objetos, enceguece lo verdaderamente profundo de las propuestas del Diseño Radical o Anti-Diseño. Un cuestionamiento hacia el consumismo, hacia la egolatría de arquitectos y diseñadores, al modo de enseñar y al modo de hacer sociedad. Nomadismo, ecología, anti-materialismo, colectivismo, son las ideas de vanguardia que se plasmaron en extraños objetos pero también en actos poéticos y artísticos donde el diseño se acercó al arte.

Y es que al sacar el elemento funcional del diseño, éste se acerca al arte. Colectivos como Archizoom, Superstudio y Cavart usaron el diseño como una forma de comentar y protestar sobre el tipo de sociedad que estaban viviendo y las visiones utópicas o distópicas que tenían para el futuro.

Acá te presento cinco actos poéticos, que a pesar de su carácter intrínsecamente efímero, representaron un modo de pensar, un modo de abordar el diseño que ha quedado grabado en las mentes diseñadoras del mundo contemporáneo. El Diseño Radical abrió puertas que cuestionaron y empujaron los límites de lo que el diseño mismo puede ser.

1. SUPERSUPERFICIE. SUPERSTUDIO. MOMA. NUEVA YORK 1972

A mediados de los '60, un grupo de estudiantes de Arquitectura de la Universidad de Florencia, desilusionados de su disciplina crean el colectivo Superstudio, uno de los pioneros del Diseño Radical. Influenciados por las ideas neo-marxistas postulaban que si el diseño iba a servir al consumismo y la arquitectura a los privilegios de clase entonces era mejor vivir sin objetos y sin edificios. Para mostrar su visión distópica crearon, para la innovadora exposición del Moma «Italy: The New Domestic Landscape» la Supersuperficie, un modelo alternativo de existencia donde solo existe una red de energía, una especie de matrix a la que accedes al conectarte. En este mundo sin construcciones y sin cosas los seres humanos pueden llevar una vida nómade, liberada del trabajo repetitivo y de las estructuras de violencia y poder, una red que nivela las diferencias sociales del ser humano.

Además de la increíble similitud de esta red ficticia con la era del internet que vivimos hoy, su renuncia del mundo material pone al diseño en un terreno ideológico al que no estaba acostumbrado. «Queríamos mostrar que el diseño y la arquitectura podían ser actividades teóricas y filosóficas, y provocar una nueva conciencia” dice Cristiano Toraldo di Francia, co-fundador de Superstudio junto a Adolfo Natalini. Gráficamente representaron esta red con un pattern cuadrado con el que cubrieron toda su obra; muebles, collages, films, etc.

2. DESTRUCCIÓN DE LA SILLA LASSÚ. ALESSANDRO MENDINI. ALREDEDORES DE MILÁN 1974

En 1974, el famoso arquitecto y diseñador Alessandro Mendini era editor de la revista Casabella. En los años en que nacía el Diseño Radical, Mendini estuvo a cargo de tres revistas que fueron fundamentales en relatar, publicar y dialogar con la neo-vanguardia; Casabella, Domus y Modo. Uno de sus grandes aportes era generar portadas icónicas que le dieran carácter a las publicaciones y que revelaran significado con una sola imagen. Para las portadas de Casabella creo varios “oggetti per uso spirituale” (objetos para uso espiritual), uno de ellos fue la silla Lassú. Para el acto poético, diseñó y fabricó dos sillas iguales, a escala menor de lo normal y montadas sobre una pirámide. Con esto cuestionaba dos principios fundamentales del modernismo, primero la funcionalidad del objeto, transformándolo en un objeto/arte y segundo la permanencia del mismo, lidiando con la máxima “design to last” y luego para terminar la poética del acto viene la quema de la silla. Ese momento se convirtió en la portada de Casabella.

3. GUERNICA: PROSPETTIVA DEL XXI SECOLO. GRUPO CAVART. PADUA 1974

El grupo Cavart fue formado por un grupo de estudiantes de la Universidad de Florencia, influenciado por sus profesores, los creadores de Superstudio. Cavart fue uno de los grupos más radicales y underground del movimiento. Este acto de 1974 consistió en hacer una replica a tamaño real del famoso Guernica de Picasso. Lo llevaron a las plazas de Padua, Venecia y Milán para terminar en Bolonia y destruir el cuadro frente al publico en la recién fundada Galleria d'Arte Moderna. El acto presentaba una fuerte carga política anti-fascista, Guernica como un símbolo de las libertades violadas y además un comentario al estado del diseño. Los radicales reconocían un gran problema creativo en su disciplina, sentían que no había nada más que inventar y por eso se apropian y trabajan con imaginería del pasado.

4. ARCHITETTURA CULTURALMENTE IMPOSSIBILI. GRUPO CAVART. PADUA 1975

Arquitectura Culturalmente Imposible fue un seminario de una semana organizado por el grupo Cavart al cual asistieron estudiantes, artistas y arquitectos en un encuentro para objetar la carga elitista de la disciplina. Se efectuó en una cantera abandonada cerca de Padua. Para esto se invitó a no-profesionales, como campesinos y niños de la localidad para que crearan sus propios diseños con materiales industriales en desuso junto con materiales naturales tal como lo estaba haciendo el Arte Povera. La revista Casabella describió el resultado como “Una curiosa urbanidad temporal de arquitectura, a su vez arcaica y futurista; una especie de hipótesis para una vida natural para el hombre tecnológico del año 2000″

Esta urbanidad temporal tenía otras estructuras muy interesantes como la pirámide tipo zigurat hecha de paja por Alessandro Mendini y Paola Navone, que vuelve a cuestionar la permanencia del diseño desde el ángulo de la historia, usando materiales inesperados, desechables y quemables. Otra estructura fue creada por De Lucchi y su hermano Alessandro. Una reproducción a escala real de su proyecto final de grado Strutture Verticale. Esta construcción consistía en una larga estructura vertical con espacios mínimos donde habitar, conectados también en modo vertical y con objetos suspendidos en el aire.

5. MANTRANSFORMS/ASPECTS OF DESIGN EXHIBICIÓN INAUGURAL PARA EL COPPER-HEWITT. ETTORE SOTTSASS. NUEVA YORK 1976

Las fotografías que Sottsass presentó por primera vez en esta exhibición curada por Hans Hollein, fueron tomadas entre el '72 y el '73, a las afueras de Milán y en los Pirineos españoles. Para el afamado Sottsass fue una época de cuestionamiento y distanciamiento del diseño industrial corporativo del que fue una pieza fundamental mientras trabajaba para la firma italiana Olivetti. Las fotografías muestran intervenciones a un ambiente natural, con simples y frágiles objetos, cuestionando el rol del diseñador en la sociedad, su intervención en el medioambiente y la sobre sofisticación del diseño. En su crisis existencial recuerda “Sentía una necesidad de visitar lugares desérticos, montañas, para re-establecer una conexión física con el cosmos, como el único verdadero entorno, precisamente porque no es medible, ni predecible, ni controlable, ni conocible”

Las fotografías las acompaña de pequeños textos que llenan de significado la imagen . En Design for (the Necessities of) the Animals «Highway Between two Anthills», hay un palo que une dos hormigueros. La «necesidad» entre parentesis hace un irónico comentario al sobre diseño y a la verdadera necesidad del mismo. En Design for the (Rights of) Man, hay dos fotos de un simple lienzo con una silla común en la mitad de la nada, una con la opción de sentarse en el sol y la otra en la sombra. Otra vez con ironía pone de manifiesto la injerencia del diseño en las opciones de la vida cotidiana del ser humano.